"Lo único que justifica a un intelectual es arriesgar su propio prestigio con relación a aquello que entiende que se debe hacer".
Eugenio Trías.

"El arte siempre, creo yo, ha participado en diferentes niveles de esa subversión que consiste en poner "el mundo al revés" para hacerlo "más verdadero". Txomin Badiola.

Arteleku, durante sus doce años de existencia, ha desarrollado una política de apoyo a la creación e investigación contemporánea organizada en torno a criterios basados en el predominio de los

materiales clásicos convencionales - madera, piedra, hierro, etc.- y las disciplinas artísticas clásicas - pintura, escultura, grabado, fotografía, etc.-. Tanto su arquitectura, la configuración de sus espacios, así como su organización interna fueron pensadas para resolver las demandas y las propuestas de los artistas que surgieron de las Facultades y Escuelas de Bellas Artes o de las Escuelas de Artes y Oficios que vivieron el boom de los años ochenta. La proliferación de importantes centros de arte contemporáneo así como la extensión de actividades de todo tipo relacionadas con la promoción, difusión y venta de objetos artísticos hizo suponer que la sociedad estaba preparada para asimilar el discurso de la contemporaneidad. El espejismo generado duró lo suficiente como para que se desarrollara una política de apoyo al arte tanto desde la iniciativa privada como desde la pública. Esto dio origen a una proliferación de objetos y artificios que acabaron generando el efecto contrario de saturación y de agotamiento.

En los últimos años coincidiendo con un momento de recesión económica y con el auge de políticas menos intervencionistas ha aparecido una generación de creadores que trabaja alejada de las premisas de la última década. Del mismo modo, la estructura artística desarrollada con soporte económico público así como las empresas privadas han entrado en un proceso de cuestionamiento y redefinición. Asimismo, ha entrado en un proceso de redefinición semejante, toda una cultura artística que encontraba en esas estructuras un espacio acorde para la reflexión sobre el lugar cultural y social del arte.

Desde mi punto de vista, la actual estructura del arte está agotando los mecanismos de acceso a la creación contemporánea. Exceptuando los templos de la cultura-espectáculo, la red de museos, centros de arte y galerías convencionales se encuentran despoblados porque, exceptuando los flujos endogámicos, han expulsado al resto de los ciudadanos, alejando el arte de la vida. Los modelos de representación convencionales se agotan en sí mismos, en la medida que "secuestran" y aíslan la posibilidad de confrontar "los hechos contemporáneos" con la sociedad real. Estos hechos, que yo denomino "efectos contemporáneos", debieran estar presentes en todos los niveles del tejido urbano para ser contrastados en los marcos de representación donde los ciudadanos encuentran sus referentes simbólicos más habituales: medios de comunicación, sistemas audiovisuales, redes telemáticas, publicidad y otros espacios económicos autónomos.

Desde esta posición de autocrítica, las instituciones públicas con sus agentes culturales, así como la iniciativa privada, en la medida que asuma su responsabilidad en los cambios, pueden facilitar el desarrollo de contextos ampliados para el arte. De este modo, haríamos posible la convivencia de todas las manifestaciones contemporáneas en un espacio transversal que rompiese las fronteras entre baja y alta cultura y acabase definitivamente con las jerarquías académicas impuestas por viejos esquemas.

Todavía hoy, persiste una mitología conservadora y elitista que sigue presentando a los artistas como individuos socialmente privilegiados que desarrollan una forma de trabajo no alienado, producto del ejercicio de la libertad individual y del carácter genial de su personalidad y, además, desvinculado del poder político y económico. Nos encontramos, una y otra vez, con la persistencia de los estereotipos inscritos en la tradición cultural occidental, tales como el individualismo del artista, el culto al genio, la legitimación de la autoría, la restauración del concepto de obra de arte en tanto que objeto de culto o la pasividad del espectador.

Hoy en día, el arte se despliega independientemente de las jerarquías impuestas por las Bellas Artes y ahí es donde estriba la dificultad del momento que estamos atravesando. El arte, al fin y al cabo, no se reduce a la materialidad de los objetos, sino que se puede medir a través de sus múltiples efectos en la vida cotidiana de los ciudadanos.

Bartomeu Marí, director de Witte de With de Roterdam, parafraseando a Hannah Arendt, define este fenómeno como una cosa que aún no ha dejado de ser lo que era, pero que todavía no ha solidificado en algo que podamos ver como nuevo.

El predomino de las disciplinas artísticas y la omnipresencia objetual han dado paso a actitudes radicalmente diferentes en muchos de los artistas con los que nos encontramos en la actualidad. Este fenómeno no puede desligarse de la irrupción, democratización y socialización de las tecnologías avanzadas y de la influencia de los medios audiovisuales y los sistemas de comunicación y telemáticos. En muchos casos las manifestaciones artísticas derivadas de ese cruce de influencias se presentan con maneras "transdiciplinares" que casi siempre se dan en los cruces, en los márgenes y que no necesariamente se presentan en las estructuras convencionales del arte. Son muchos los artistas y muchas las obras que ilustran esa actitud interdisciplinar y mestiza que sitúa cualquier manifestación creativa lejos de las mitologías disciplinares dominantes en las últimas décadas. En este cruce de actitudes lo híbrido se presenta como la facultad particular de atravesar las fronteras de las disciplinas artísticas y de realizar la fecundación cruzada de los diferentes dominios. Vivimos en un momento "impuro" de pluralismo. No en vano, muchos artistas con los que habitualmente colaboramos en Arteleku plantean su método de trabajo como una permanente reflexión sobre sus propios límites. Sin ir más lejos, en el catálogo de su última exposición celebrada en Madrid, en la galería Soledad Lorenzo, Txomin Badiola, con respecto a su trabajo, entre otras cosas dice así: "Al tener que introducir ahora mismo mis trabajos más recientes podría decir que no aspiran sino a esa provisional trama de atascamientos, a ser, por tanto, "malas formas", elementos de la representación, atrapados en la dinámica del deseo, y por tanto, imágenes, formas o espacios incompletos y abiertos, dispuestos desde una matriz que permanentemente organiza y desorganiza los factores en un flujo de signos ofrecidos a los cerramientos siempre parciales y nunca definitivos de "el otro".

"Hidralux" Técnica mixta. Jon Mikel Euba.

Del mismo modo, Juan Luis Moraza en una entrevista realizada por Gloria Picazo para el catálogo de su exposición en la Sala Leandre Cristofol de Lleida dice así: "En realidad, todos sabemos que existe un espacio en nuestra forma de pensar, recordar, sentir y saber en el que las diferencias entre palabras, imágenes, sentimientos y actos -actuaciones- son muy difusas; y es en ese espacio donde a menudo comienza o acaba el trabajo artístico. Existen como "global performancia artística". En el arte y en el mundo, en definitiva en la vida, las imágenes se superponen o se mezclan, se reproducen o se omiten, se traicionan. Cada una de ellas existen con relación a otras a las que niega o afirma, sobre las que se apoya o a las que sustituye u oculta y en ese cambalache de interferencias y polifonías, cada imagen, cada actuación es apenas un instante efímero de una cadena perversa de aculturaciones. La referencia es, en fin, una revuelta contra la apropiación impune, contra la soberbia de lo original, contra cualquier orden clásico.

Estas actitudes tienen mucho que ver, entre otras razones, con la crisis de producción de objetos artísticos cuya importancia, por lo menos hasta ahora, parecía indiscutible. La recesión económica; la precariedad laboral, la transitoriedad social y el nomadismo de las últimas generaciones han generado diferentes actitudes. También se añaden otras razones técnicas: la desvalorización del estudio como lugar de fabricación en beneficio de los espacios reales donde se llevan a cabo los proyectos; el acceso a las tecnologías avanzadas, así como la facilidad de autoproducción que les permiten trabajar de una manera más procesual o proyectiva y, del mismo modo, facilitan la transportabilidad y generan dinámicas de interdisciplinariedad cercanas a otras actividades profesionales del sector creativo -diseño, edición, música, moda, arquitectura, urbanismo -.

En este marco de reflexión es donde Arteleku propone nuevas fórmulas de gestión y diferentes dinámicas de trabajo que posibiliten el acceso de los creadores a las tecnologías avanzadas, les permitan establecer relaciones con creadores de otras disciplinas artísticas y les abra nuevos campos de actuación. La dificultad de las actuales estructuras para acoger nuevas actitudes creativas obliga a repensar, no sólo las maneras de mirar, sino las de producir y presentar los resultados. Frente al escenario/espectáculo de las estructuras convencionales del arte (Museos, galerías, salas de exposiciones, etc.) aparecen propuestas que tratan de acercarse a los observadores para compartir la experiencia creativa con la complicidad de la mirada y, en muchos casos, en las estructuras económicas y sociales reales de la ciudad donde otros segmentos de la creación tienen su espacio de representación. Estas actitudes plantean la posibilidad de generar nuevos espacios y redes de representación, inscritos en los circuitos ciudadanos, que regeneren el papel del arte y la función social del artista en una sociedad cada vez más distante de la creación contemporánea comprometida con las generaciones venideras.

Sala de exposiciones de Arteleku.