Para el donostiarra Andrés Nagel la vida del artista no tiene secretos. Los ingredientes principales son el trabajo serio y el convencimiento. Andrés huye sin disimulos de calificar su obra. Desde la experimentación, Nagel propone ampliar los márgenes de la representación artística. Desmitifica la hegemonía mítica del grupo Gaur. Siempre cambiante, siempre libre e imaginativo es un transgresor de la forma capaz de articular todo tipo de maneras para enfrentarse al orden establecido. Guarda celosamente su vida privada tras la verja de su casa. Una casa de principios de siglo, junto a la que está su lugar de trabajo: un moderno edificio de cristal construido por el arquitecto De la Hoz..

-Estudiaste arquitectura, sin embargo, nunca ejerciste como arquitecto. Optaste por el mundo del arte, de la escultura, de la pintura...¿Por qué tomaste esta decisión?
Al mismo tiempo que estaba estudiando arquitectura empecé a trabajar en la escultura, en pintura. Para mí el arte es una forma de vida y me divierte mucho más que la arquitectura. Además, en aquellos tiempos tampoco estaba nada fácil lo de trabajar en la arquitectura, y de repente, te encuentras metido en esto del arte. A veces en una profesión sucede eso, te vas metiendo poco a poco pero sin ser plenamente consciente de ello. No te metes en ello pensando que te vas a dedicar a ello toda tu vida.

-¿Cómo fueron tus inicios? ¿Qué dificultades encontraste en tu camino?
El único problema en este mundo es sobrevivir. Desde luego que no es un oficio fácil. Es un oficio en el que tienes que luchar muchísimo, me imagino que igual que en todos los demás. Pero aquí no están las cosas claras, no están estructuradas. ¿Quién necesita del arte? Igual la dificultad más grande que tiene el arte es que nadie tiene necesidad de él. Éso es lo que lo diferencia del resto de los oficios, que no es necesario. Luego, no es que sean duros los primeros años, es que es una profesión dura en general. Es una profesión muy cíclica en la que hay momentos en los que las cosas te van mejor. Pero no es nada segura.

-¿Cómo concibes el mundo del arte?
Es una forma de vida en la que hay un pensamiento. Hay unas ideas que plasmar. De todas formas, yo no soy ningún misionero que quiera salvar a nadie. Yo lo hago por mí mismo, por nadie más. Lo haces por ti, porque te gusta, y si lo haces es porque tienes una cierta necesidad. Pero no es una angustia permanente. Si a mí me dan ahora una ventanilla en una caja de ahorros, a lo mejor cojo ese puesto de trabajo.

-Tienes una incesante voluntad para narrar, para expresar ideas...¿De dónde te surge esta necesidad?
Narrar no es mi oficio. Lo mío es expresar ideas. De todas formas, las palabras expresar y comunicar, me resultan un tanto incómodas. Es una cuestión puramente semántica. Las palabras expresar y comunicar tienen algo como mesiánico. Si estás pintando, lo que haces es plasmar ideas, y si hay ideas, lo que haces es distinto y está vivo. Si no hay ideas, hay una cosa repetitiva y decorativa, en el mejor de los casos. Yo espero que no sea ése mi caso. Cuando estás en un oficio plasmas ideas. Cuanto más inteligentes sean las ideas, más interesante será la obra en sí.

-Siempre has declarado que defiendes la idea sobre la forma. ¿Para mantenerse en el mundo del arte es necesario un constante fluir de ideas?
Si te fallan las ideas es un problema personal. A la hora de pintar un cuadro o hacer algo es necesario que haya ideas, yo no pinto un cuadro porque sí. Un cuadro siempre tiene que expresar ideas, como un libro siempre tiene que expresar ideas, si no no es un libro. En el mundo de la plástica el flujo de ideas es indispensable. Cada medio de expresión pide unas ideas dentro de dicho medio. Así las ideas plásticas simplemente son ideas plásticas, no se pueden explicar, si no se destrozaría el cuadro. Las ideas plásticas hay que verlas, y yo espero que la gente que ve mis cuadros vea algo distinto, fuera de la imagen. Si lo único que interesa es la imagen, entonces lo que se ve es una ilustración.

-Eres multidisciplinar, utilizas diferentes lenguajes artístico-narrativos. ¿Qué te impulsa a moverte entre diferentes disciplinas?
Para mí es todo el mismo oficio. Es como el caso de muchos escritores. La gente se extraña de que escriban artículos, de que escriban novelas, de que escriban teatro. Pero todo ello forma parte del mismo oficio, lo que pasa es que son diferentes maneras de hacer lo mismo. En el mundo del arte es muy parecido. Utilizas diferentes técnicas o maneras para hacer una cosa u otra, pero todas forman parte del mismo oficio. Dibujar, esculpir, pintar...no está claro cuáles son los límites de cada disciplina. Hace años los límites estaban claros. Hoy en día, no ocurre lo mismo. Está todo como muy mezclado, pero todo es el mismo oficio. Luego, cada disciplina no tiene un uso determinado. Todo lo que te sirva para hacer lo que tú quieres, para resolver un problema, una idea, es válido. Cuando tienes una idea la ves en una técnica determinada. La técnica para lo único que te sirve es para resolver una idea, o sea, para hacer material una idea. El que sea dibujo o sea pintura depende de cómo ves lo que quieras hacer. La técnica te ayuda a no tener problemas a la hora de hacer algo. Te ayuda a resolver, para conseguir una cosa fluida y directa.

-¿Qué te consideras: pintor, escultor, grabador, artista plástico?
La palabra adecuada sería artista plástico. Lo que pasa que la palabra artista está muy manipulada por la sociedad. Según la definición que viene en el diccionario artista es todo aquel que haga algo en el mundo de la plástica, independientemente de la calidad de lo realizado. Así, siguiendo textualmente la definición del diccionario, un carpintero sería artista. Creo que mi trabajo poco tiene que ver con el de un carpintero.

-Tal y como dice el comisario Antonio Zaya en la presentación de tu última exposición "Fuera de servicio", Andres Nagel "apunta literalmente con plomo al principio de realidad establecido". ¿Contra qué apuntas en tus últimas creaciones?
Yo no creo que mis creaciones apunten contra el principio de realidad establecido. Esa es la opinión de Antonio Zaya. Yo simplemente hago cuadros. En esos cuadros plasmo todo lo que hay alrededor de lo que vivo. Un cuadro no es una cosa inocente. En él hay ideas. Si esas ideas perturban, inquietan o transgreden, es un problema del espectador, no del autor. Yo no tengo ninguna intención de provocar nada. Yo simplemente pinto cuadros, es decir, plasmo ideas. Y seguramente esas ideas son diferentes a las que plasma otra persona. Hoy día, intentar provocar me parece ridículo. La sociedad es muy susceptible a escandalizarse, pero ése es un problema social. En ese sentido, creo, el que pinta un cuadro o escribe una novela pensando en que va a escandalizar, o que va a provocar una revolución, está muy equivocado. De todas maneras, no me sorprenden las palabras de críticos, espectadores y comisarios. Es una cuestión que me da igual. Si ocurre algo bueno con algo que has hecho, pues muy bien. Y si no ocurre nada, pues es lo peor que puede ocurrir.

-"Nagel con sus recortes y agujeros de luz, perfila un escenario inédito de correspondencias volubles, establecidas previamente en la superficie de su realidad anónima y desapercibida, como escenas de un proyecto compartido con Matisse y William Borroughs". "Andres Nagel no es un hombre de etiquetas pero milita en la disidencia de su autoexclusión, que no es la torre de marfil sino, mejor, el observatorio". Todo esto y más dice el comisario Zaya sobre Nagel en el catálogo de presentación de "Fuera de Servicio". ¿Te sientes identificado con las afirmaciones de Zaya?
Sí, creo que el texto es muy acertado. En conjunto me siento plenamente identificado con lo que dice Zaya. Me gusta la visión que da de mi obra. Me parece muy acertada la visión general que da de las cosas. Luego, analizando punto por punto, frase por frase, pienso que son opiniones de él que yo no me pongo a debatir, jamás las debatiría. En referencia a lo de disidencia y transgresión pienso que ése es totalmente un problema del espectador. ¿Que mi obra transgrede? Pues mucho mejor. Lo que realmente me preocuparía sería que dejara a la gente indiferente.

-¿Es autobiográfica tu obra?
Todo lo que pintas es algo que conoces. En ese sentido, es autobiográfica pero con una matización: todo lo que pinto lo conozco, pero no cuento mi vida.

-Tanto en "Fuera de servicio" como en otras series se puede percibir un compromiso con el medio y la realidad circundantes. Contextualizas tu obra en el País Vasco. ¿Esta contextualización con la realidad circundante es una constante en el mundo del arte?
Todo el que trabaja en un oficio de éstos, trabaja en referencia a un espacio y a un tiempo. Yo creo que la única forma de trabajar en ésto con esta mentalidad, es si estás trabajando en el espacio en el que estás y en el tiempo en el que estás. No puedes estar trabajando en esto con una mentalidad característica de hace 20 años y en referencia a un lugar en el que no estás. Todo éso sería falso, pues transmitirías algo que no es cierto.

-¿Por qué "Fuera de Servicio"?
Es un título elegido por Antonio. A mí me halaga. Lo utiliza en el sentido de que mi obra está al servicio de mi propio pensamiento, no al servicio de otra causa cualquiera, por ejemplo, de la moda. Y éso es muy halagador. Yo nunca me he planteado estar al servicio de nadie ni de nada. De todas formas, es una frase elegida por él. No es que esté de acuerdo con ella, pero me halaga. Yo le di absoluta independencia para preparar mi catálogo. Y por supuesto, yo no censuro a nadie.

-¿Y tú, te has sentido censurado alguna vez?
Pues, sí. El caso no viene a cuento, pero te puedo decir que aquí, existe una censura. En lugares públicos se censura. Por ejemplo, si alguien te encarga un dibujo para algo y luego no lo utiliza, éso es censura. Y eso existe, en sitios oficiales y en ciudades respetables.

-Continuando con tu última exposición, antes tus piezas iban tituladas, sin embargo, en tu última exposición tus creaciones carecen de título. No te gusta dar referencias al espectador. ¿No es así?
Tú, cuando pintas un cuadro, no piensas en el título. El título es algo que se pone en un cuadro para tener una referencia con una galería, simplemente para éso. No conozco a nadie que esté pintando un cuadro y esté pensando en un título. Luego, en lo que se refiere al espectador, si la creación va titulada existe el peligro de que la gente mire al título y se deje llevar por él, sin profundizar realmente en el cuadro o en la escultura en cuestión. Un cuadro no es una nota, es un elemento que al verlo te puede producir unas sensaciones. Esas sensaciones te las tiene que producir solamente el cuadro. Entonces, todo lo que haya de explicación alrededor del cuadro sobra. Por todo ello, esta vez he prescindido de los títulos. Quiero que la gente vea mis cuadros tal y como son.

- El escritor oriotarra Angel Lertxundi ha escrito un cuento titulado "Bocetos fronterizos" inspirado en tu obra. ¿Es ésta una iniciativa para unir arte y literatura?
El cuento no está inspirado en mi obra, es una fantasía de Angel. Se basa en cosas que él conoce, aunque no directamente en lo que hago. Yo lo he leído como un cuento y me parece un cuento muy bonito, muy bien expresado, con unos juegos literarios fantásticos y muy divertido. Al plantearnos hacer el catálogo de la última exposición pensamos en la idea del cuento de Angel. En principio un catálogo cataloga la obra. Pero luego suele haber un texto más o menos relacionado con la obra, más o menos analítico. A la coordinadora de la exposición en el Koldo Mitxelena, Ana Salaberria, se le ocurrió hacer un escrito literal, algo que acompañara al catálogo y que le diera un poco de calor. El texto literario se lo encargamos a Angel Lertxundi porque es un escritor guipuzcoano que nos gusta a todos. Creo que ha sido un acierto el hacer el texto literario y quitarle esa cosa seria al catálogo. Angel me parece fantástico como escritor y como persona; hay razones suficientes y sobradas para que sea el autor del cuento. A mí me halagó muchísimo además que estuviera interesado en hacerlo.

-En alguna ocasión has declarado que te da miedo mirar al pasado. ¿Qué es lo que quieres decir con ello?
No es que el pasado me dé miedo, es que no me interesa en absoluto. Me interesan el presente y el futuro. No me gusta mirar hacia atrás, hacia algo que ya ha sido. ¿Qué objeto tiene mirar hacia algo que ya ha pasado? Una pieza que he realizado hace años es una creación del pasado. Ahí está y no le doy más vueltas.

-Actualmente estás trabajando en una escultura que se colocará en Palma de Mallorca. Háblanos de ella, ¿cómo es?
Es una escultura de acero, un corte de grandes dimensiones que se colocará en un sitio público del centro de la ciudad.

-¿Te identificas con algún autor?
A mí los pintores y los escultores me interesan como espectador. Luego, que alguno siga mi estilo, me trae absolutamente sin cuidado. A mí la pintura y la escultura me interesan plenamente como espectador. De esta manera le saco un valor positivo. Para mí lo peor que puede tener una pintura es la pretensión. Quitando las cosas que tienen pretensión de algo por lo general, como espectador me interesan algunos artistas.

-¿Cuáles, por ejemplo?
Me interesan Manet, Matisse. A los pintores que son reconocidos por algo no les llega el reconocimiento gratuitamente. Luego, hay algunos que puedes sentir más cercanos. Muchas veces la cercanía o la lejanía depende del momento que tú estés viviendo. Hay momentos que te identificas con el melodrama expuesto por tal o cual autor, y otros momentos en que contrariamente no lo puedes aguantar. No porque el autor sea malo, sino porque en ese momento no tienes la cabeza para esas cuestiones.

-Y en lo que se refiere a autores contemporáneos, ¿te interesa alguno?
Chillida me interesa mucho, y también Ruiz Balerdi. De todas formas no me gusta dar nombres.

-¿Goza de buena la salud el arte en Euskal Herria?
Creo que no. La salud del arte es buena siempre y cuando la sociedad permita vivir a algunos artistas. En este sentido creo que el arte aquí no tiene vida como para que de él vivan los artistas. Aquí no se consume arte como para que los artistas puedan vivir de ello. Entonces, mientras no haya un consumo del arte, no se puede hablar de una salud. Se puede hablar de que hay algunos autores que sean casi casi heroicos y de que sobrevivan. Pero no de que el arte goce de buena salud.

-En el mundo de la cultura, por lo general, se tiende a mirar hacia Estados Unidos. ¿Qué ocurre en el mundo del arte, hacia dónde miran los artistas?
Lo único que importa en el mundo del arte es la persona que lo hace, y si esa persona puede vivir de ello. Luego, ¿a dónde miran los artistas?. Esa es una cuestión absolutamente individual y personal, y siempre ha sido así, en todas las gamas del arte. Ningún novelista puede tomar ninguna referencia más allá de su pensamiento. Sí es cierto que el que necesita publicar necesita consumir otras novelas. Sin embargo, no puede estar pensando en otras cosas que lo que hay alrededor de su mundo más cercano. ¿En Estados Unidos? Hay una pintura y una escultura. En Alemania hay una pintura y una escultura. En Italia lo mismo. Hay países en los que ese mundo es más vivo. No creo que sea el caso de Estados Unidos. Allí si hay movimiento en el mundo del arte es casi exclusivamente en New York City. Luego en Alemania el mundo del arte está geográficamente más distribuido, lo mismo que en Italia. Se hable de lo que se hable lo importante son los artistas, nunca los países.

-En lo que se refiere a las nuevas infraestructuras culturales, como por ejemplo el museo Guggenheim de Bilbao, ¿qué opinión tienes?
Al Guggenheim como inversión artística no le veo gran interés. Como inversión social, sin embargo, sí. Ahora, dentro del mundo del arte, creo que no tiene demasiado interés. No creo que el Guggenheim vaya a ser el motor del arte en Euskal Herria. Lo único que puede permitir que algo sea el motor del arte, es que haya consumo de arte. Y aquí no hay consumo de arte.

-En más de una ocasión los teóricos han afirmado que como consecuencia de la cultura de masas neutralizadora de la reflexión, desaparecerá el arte o será reemplazado por subproductos. ¿Qué opinas al respecto?
Ésa es una profecía que lleva siglos. Creo que mientras la sociedad tenga necesidad del arte, éste no desaparecerá. Desaparecerá si la sociedad no lo necesita, no porque el producto haya dejado de tener una función. De todas formas no creo que ésto suceda. Si la sociedad tiene necesidad de una vida más sofisticada, se realizarán productos masivos más sofisticados.

-No eres aficionado a las exposiciones, ni al mundo del mercado del arte...
Ni soy aficionado ni dejo de serlo. Un artista para vivir necesita exponer. Entonces, el exponer es una necesidad para el que se dedica a este oficio. Necesitas vivir y la única forma de mantenerte en este mundo es exponiendo. No es una cuestión de que seas aficionado o no lo seas, es una cuestión de necesidad.

-¿Qué opinión tienes de la labor que realizan los comisarios de arte?
A mí los comisarios de arte sólo me sirven para proporcionar trabajo, pero fuera de éso...Creo que hoy en día, los comisarios de arte tienen un protagonismo que no les corresponde. Entre ellos hay gente que para mí no tiene muy buena vista pero habrá algunos que sí la tengan y sepan reconocer a gente con valor.

-No eres amigo de entrevistas, no te gustan los periodistas. Sin embargo, por lo general, los artistas necesitan de ellos para darse a conocer. ¿Qué opinión tienes al respecto?
Creo que los periodistas son un mal necesario. Necesité de ellos en un principio y necesito de ellos ahora. La cuestión es que estás viviendo en un mundo en el que hay ciertas cosas ya establecidas, y, por supuesto, todas no te gustan. En mi opinión, los periodistas tienen su labor. Lo que sucede es que hay muy pocos que estén especializados en el tema de la plástica y que sean buenos. Si son buenos, me parece que realizan una labor fantástica. Por otro lado, hay gente a la que le gusta estar a diario en los medios de comunicación. Yo no soy de esos. Pero de alguna manera necesito del mundo de los periodistas. En este oficio si desapareces unos meses, has desaparecido, te entierran.

ANDRÉS NAGEL (Donostia - 1947)

Andrés Nagel realiza su primera exposición en 1968 en el Ayuntamiento de San Sebastián. Desde entonces ha expuesto ininterrumpidamente en las galerías, museos y ferias más prestigiosas del mundo. Desde principios de su trayectoria artística, teóricos y críticos han tratado de clasificar su obra. Desde sus inicios su obra refleja unas constantes: el afán por romper con las formas tradicionales de representación, el juego inteligente con los clásicos referentes del arte, el empleo de materiales feístas y la proclamación sincera de una permanente voluntad de rebelión estética. Es un autor prolífico y en todas sus creaciones manifiesta un actitud plenamente moderna. Según los teóricos es capaz de unir las influencias más dispares, desde la figuración a las pautas surrealistas, abstractas y expresionístas, al pop y al dadá. Todo ello lo tritura con su instinto constructor hasta lograr formas y seres que componen su universo personal. Su últimas creaciones se engloban en la serie denominada "Fuera de Servicio". En ésta última animales, objetos, paisajes, personajes y partes del cuerpo, son los temas representados y que el artista propone al público como punto de partida para una interpretación. Desde el pasado día 16, algunas de sus creaciones pueden contemplarse en la sala de exposiciones del centro cultural Koldo Mitxelena (San Sebastián), en la exposición dedicada al arte gráfico OKUPGRAF 99. Sus creaciones compartirán espacio con las realizadas por prestigiosos autores como: Picasso, Tapiés, Miró, Zumeta... Museos y colecciones más importantes Torrealdai ha escrito muchos libros, algunos de los cuales son los siguientes: University of lowa Museum of Art, Lowa City Pasadena City College, California Fundación Museo de Arte Contemporáneo, Barcelona Museo de Arte Contemporáneo, Madrid Kusthalle, Nuremberg Museo de Arte Moderno, Sofía Museo de la Habana, La habana Museo de Bellas Artes, Bilbao Museo de San Telmo, San Sebastian Calcografía Nacional, Madrid Museo Itinerante Salvador Allende, Chile Meadows Museum, Dallas, Texas Museo Jose Luis Cuevas, Méxiko Hakone Open Air Museum, Tokio Museo de Arte Moderno, Túnez Collezione DOBE, Zurich Cahse Manhattan Bank, New York The Fitzwilliam Museum, Cambridge The Art Museum, Princeton, New Yersey The British Museum, Londres Museum of Contemporary Art, San Diego, California